요셉 안톤 코흐(Joseph Anton Koch)는 1768년 오스트리아 티롤지방의 엘비게날프(Elbigenalp)에서 태어났다. 그래서 그를 티롤의 화가라고 부른다. 코흐는 양치기로서 삶을 살다가 주교 Umgelder의 추천으로 슈투트가르트에 있는 칼스슐레(Karlsschule)를 다녔다.하지만 칼스슐레는 사관학교와 같은 엄격한 규율의 학교였기 때문에 코흐는 그 상황을 견디지 못하고 학교에서 도망쳐 프랑스와 스위스를 여행하고 마침내 로마에 도착한다.이 시기에 코흐는 독일 신고전주의 작가인 카스텐스(Asmus Jacob Carstens)를 만나게 되면서 영웅적 회화와 접하게 되었는데 이때의 영향은 코흐의 삶 전체와 그의 예술에 지대한 영향을 미치게 된다. 1800년이 되면서 코흐는 풍경화가로 발전하게

카스파르 프리드리히는 북독일의 발트 해 연안 그라이프스발트에서 1774년 태어났다. 어린 시절 지리적으로 가까운 덴마크의 코펜하겐에서 그림을 배운 뒤 20대 중반 독일 동부 드레스덴에 정착하여 42세 되던 해 그곳의 미술학교 교수가 되었다. 아버지는 엄격한 루터파 신교도였고 또 어린 시절 그에게 닥친 비극적인 몇 개의 사건들(어머니는 그가 일곱 살일 때 천연두에 걸려 죽었고, 그의 누이는 발진티푸스에 걸려 죽었다. 그리고 13세 되던 해 프리드리히가 얼음물에 빠졌을 때, 그의 형은 그를 구하려다가 익사한 사건)은 그의 그림 전반에 우울함과 공허함 그리고 짙은 종교적 이미지를 드리우게 했다.여름 날, 하늘과 땅이 맞닿은 풍경이 시원하게 펼쳐져 있다. 드넓은 평야와 한적한 시골 풍경은 그가 일생을

추상(抽象)미술(Abstract Art)이란 비구상(非具象), 비대상(非對象) 미술이라고도 불린다. 좀 더 부연하자면 추상이란 단어가 가진 의미처럼, 화가 앞에 존재하는 특정 대상물에 한정된 느낌이 아니라 그것으로부터 생각해 낼 수 있는 모든 것을 표현하는 미술이다. 물리적인 공간에 존재하며 역시 물리적인 위치를 점유하는 존재들, 즉 자연물을 거의 그림의 대상으로 삼지 않는 미술이다. 따라서 일반인들이 알 수 있는 사람, 꽃, 동물 등이 그려지지 않기 때문에 그림을 보아도 쉽게 이해하기 어렵다. 결국 추상미술은 색채, 질감, 선, 새롭게 창조된 형태 등의 추상적인 요소로 작품을 표현하게 되고 또 그것으로 이해하여야 하는 미술이다.바실리 칸딘스키(Wassily Kandinsky)는 이러한

통용되고 있는 다양한 근대적 미술 유파(구상 혹은 추상을 포함하는)와 그는 조금씩 관련이 있지만 그를 특정 유파의 인물이라고 하기에는 곤란할 만큼 그의 작품에서는 추상과 구상의 모든 양식을 발견할 수 있다. 그가 바로 파울 클레(Ernst Paul Klee 1879 ~ 1940)이다. 스위스의 수도 베른 근처 작은 마을 뮌헨부흐제에 태어났으니 스위스 사람이지만 예술 활동은 독일에서 많이 했기 때문에 독일 작가로 오해 받기도 한다.클레는 그의 모든 작품에서 입체와 점묘, 그리고 여러 가지 자유로운 드로잉을 실험했으며, 근대의 모든 미술 사조의 가능성을 탐색하고 실험했다. 이를테면 청기사파, 뮌헨 신 분리파, 청색 4인조, 바우하우스 등의 일련의 미술 모임과 유기적인 관계를 맺기도 하였으며

오늘날 우리가 보고 있는 Ludwig van Beethoven의 초상 중 왼손에는 악보를 오른손에는 연필을 들고 눈동자는 약간 위를 응시한 채 악상에 골몰하고 있는 모습을 그린 독일 화가는 당대의 황제와 유명인의 초상화를 많이 그린 독일 출신의 화가 요셉 칼 슈틸러(Joseph Karl Stieler 1781-1858)이다.슈틸러는 독일의 남서부 마인츠에서 태어났지만 주로 오스트리아의 비엔나에서 활동했다. 슈틸러의 아버지, 아우구스토 프리드리히 슈틸러(August Friedrich Stieler)는 동판 화가였다. 이런 이유로 어린 슈틸러는 당연히 아버지로부터 처음 미술에 대한 훈련을 받았다. 슈틸러는 미니어처 화가(건축의 완성도를 위한 축소 그림)로서 시작했으나 나중에는 인물화(초상화) 전문

술에 취한 듯 보이는 이 노인의 이름은 Silenus이다. 그에 대해서는 여러 가지 이야기가 있는데 먼저 디오니소스의 종자(從者)로서 성질이 쾌활하고 사티로스보다도 술을 더 좋아하는 모습으로 묘사된다. 사티로스(Satyr, Saturos)란 얼굴은 사람의 모습이지만 머리에 작은 뿔이 났으며, 하반신은 염소의 모습을 하고 있다. 역시 술의 신 디오니소스 숭배와 관련이 깊은 그리스 신화에 등장하는 정령이다. 장난이 심하고 주색(酒色)을 밝히는 무리들로서 영어에서 ‘호색한’을 뜻하는 Satyric은 사티로스에서 파생된 낱말이다.하지만 실레니우스는 사티로스보다는 더 현명하여 일상적인 지혜를 제공하는 자로도 등장하는데 BC 5세기경부터는 디오니소스의 추종자에서 양아버지로도 인식되기 시작하였다. 아마도 실레니우스가

Leopold Karl Walter Graf von Kalkreuth, 이름이 증명하듯 그는 독일 명문가(당시는 바이에른) 출신의 화가다. 백작이었던 그의 아버지 Stanislaus von Kalckreuth 역시 유명한 풍경 화가였다. 그런 이유로 당연히 아버지로부터 미술수업을 받았고 이어서 뮌헨의 바이마르 아카데미로 진학하여 그림을 배웠다.칼크로이트의 그림은 자연에 대한 경배처럼 느껴지는데 이런 화풍은 그 뒤 독일 인상주의 화풍에 큰 영향을 미치게 된다. 특히 그는 당시의 주류 화가들이 즐겨 그렸던 유명인사의 초상화와 세속적 풍경을 전시하는 화랑과 미술관으로부터 독립하여 스스로 작품을 전시하는 이른바 독일 분리파 운동의 창시자였다.엄마와 손잡고 서 있는 아기 주위로 이제 막 피어나는

17세기경 에도시대의 일본 하류층에서 발흥한 ‘우끼요에’를 한자로 표기하면 ‘浮世繪’라고 쓰는데 한자의 뜻으로 볼 때 약간은 염세적 생각이 저변에 깔려 있음을 알 수 있다. ‘浮世’란 뜬 구름 같은 세상이라는 뜻이니 귀족들(일본의 귀족들)의 삶과는 달리 곤고했던 그들의 삶을 달래주는 그림이 바로 ‘우끼요에’였던 것이다. ‘우끼요에’는 대부분 세밀 목판화로서 일본의 민초들이 그들의 삶과 세계를 공유하기 위해 처음부터 대량으로 찍어내기 위한 것이었다. 이러한 ‘우끼요에’의 주제는 당연히 하층민들에게 인기 있는 영웅이야기나 가부키의 소재로 쓰였던 잡다한 이야기 등이 대부분이었다. 그러나 세월이 거듭될수록 단순했던 ‘우끼요에’의 세계는 예술성을 가지는 것으로 발전했는데 그 대표적 작가가 ‘가츠

머리 위에 쓴 흰 장식성 모자가 우스꽝스럽지만 옷차림은 성장(盛裝)이다. 표정은 매우 근엄해 보이나 어두운 느낌이 없지 않다.회색으로 잘 정리된 수염으로 보아 주인공은 아마도 중년을 넘긴 나이로 보인다. 자신을 거울에 비추고 그리다보니 눈동자와 얼굴의 방향은 틀어졌지만 전체적으로 밝은 느낌을 주려고 애쓴 흔적이 보인다.이 그림을 그린 폴 세잔(Paul Cézanne)은 부유한 은행가의 사생아로 태어났다. 엄격한 부친의 강요로 법학 공부를 하기위해 법과대학에 진학했으나 결국 중퇴하고 스스로의 삶을 개척한다.이런 일 때문에 부친으로부터 경제적 지원이 끊기자 평생을 강박관념과 우울증에 시달리며 살아가게 된다. 따라서 그의 그림은 전체적으로 어둡고 두터운 색조가 주류를 이룬다. 하지만 동시에

자신의 얼굴을 스스로 그린 것을 자화상(self-portrait)이라고 부른다. 우리는 제법 유명한 화가들이 그린 자화상을 잘 알고 있다. Vincent van Gogh는 자화상을 많이 그린 화가로 유명하지만 그는 안정적인 정신상태의 소유자가 아니었기 때문에 그의 자화상에는 왠지 모를 불안감과 혼란스러움이 묻어나는 것이 사실이다.하지만 우리나라 공재 윤두서가 그린 자화상은 불과 가로 20.5㎝, 세로 38.5㎝의 작은 종이위에 그렸고 또, 300년이 지난 그림이지만 지금도 우리에게 충격적인 느낌으로 다가온다. Gogh 보다는 아니지만 그의 삶도 슬픔이 많았다. 그가 그의 자화상에서 눈을 강조한 것은 슬픔의 표현일 것이라는 이야기들도 이러한 그의 삶에 바탕을 두고 하는 이야기다. 그의 얼

37세의 나이에 권총 자살로 생을 마감한 이 사람에 대한 평가는 매우 다양하다. 그는 정신병으로 20대 후반부터 죽을 때까지 자신을 괴롭히고 타인을 괴롭혔지만 그가 남긴 1000여 점의 회화는 그의 삶을 넘어 우리에게 현현하고 있다.Vincent van Gogh 는 네덜란드 출신이다. 어려서부터 신중한 성격이었던 그는 청소년기에 기독교에 감화되어 목사가 되고자 했지만 그의 광적이고 자기중심적 성격 탓에 전도사조차 되어보지 못한 채 20대 초반에 미술품 중계 상에 취직하여 새로운 삶을 시작한다.이 그림은 그가 파리를 떠나 남부 아를로 가서 그린 죽기 한 해 전 작품인데 그의 색채 감각과 사물에 대한 인식이 고스란히 담긴 그림이다. 화면 가운데 나무를 배치한 이 위험천만한 구도는 특유의 색채감으로 극복하

봄이 중턱에 다다르고 있는 이즈음 다시 겨울의 그림을 이야기하자니 뭔가 어울리지 않는 느낌이다. 하지만 뭐 어떠랴 그림은 그림일 뿐.사냥꾼의 귀환(Die Rückkehr der Jäger)를 그린 Pieter Brueghel(the Elder)의 열렬한 지지자였던 Esaias van de Velde는 1587년 네덜란드 암스테르담 출신이다. 그의 스승은 그의 아버지와 Gillis van Coninxloo로서 두 사람 다 풍경화의 대가들이었다. 벨데는 1612년 하를렘에 있는 St. Luke 길드에서 당대의 유명한 화가들과 교류하면서 그림을 그렸다.지난 2월 폐막한 러시아 소치의 동계올림픽 스피드 스케이트 부문에서 금메달을 휩쓴 네덜란드 선수들이 결코 하루아침에 이루어지지 않았음을 이 그림을 통해 알

Ferdinand Bol은 1616년 네덜란드 도르트레이히트 출생이다. 1640년 경 암스테르담에서 위대한 렘브란트에게 사사했다.이런 이유로 그의 그림에서 렘브란트의 영향이 너무 강해 그의 작품들 중 일부는 렘브란트의 그림으로 오해 받는 작품도 있다. 1660년경부터는 점차 스승의 영향을 벗어나 밝고 우아한 프랑스풍의 화풍으로 양식을 바꾸었다. 그는 초상화를 주로 그렸는데 이 작품에서는 7명의 길드 수석회원의 초상화를 한 화면에 배치했다.서 있는 사람을 기점으로 전체적으로 균형을 이루고 있는 7인은 당시 네덜란드 암스테르담의 유명한 와인길드의 수석회원들이다. 17세기 중엽, 유럽인들에게 와인은 깨끗하지 못한 음용수의 대용품이었다. 따라서 와인은 술이라기보다는 생필품에 가까웠고 13세기 이후 지속적으로

‘피나코테크의 그림들’은 사천 곤양고등학교 김준식 교사가 꾸미는 공간으로, 독일‘알테 피나코테크’ 미술관에 전시된 작품들을 그의 문화적 감수성으로 풀어 소개한다. 14세기 이후 서양 미술사의 흐름을 이해하는데 도움을 줄 것이다. -편집자- 도대체 저 치렁치렁한 모자는 뭐란 말인가? 전통 벨벳 모자를 변형한 틀에 장식을 달아 어지러운 느낌을 주는 저 남자의 이름은 Boisslaer라고 알려져 있다.Boisslaer는 당시 암스테르담의 稅吏였다. 그림 제목은 “세금 징수원(Steuereinnehmer-稅吏)과 그의 아내”으로 되어 있다.다만 동전 등이 많이 표현되어 있어 가끔 “환전상과 그의 아내”로 그림 이름이 바뀌기도 하는데 “환전상과 그의 아내”는 이 그림을 그린

떨어진 바지를 입고 거기다가 목발까지 짚은 걸인이 사제로부터 축복을 받고 있다. 뒤쪽으로 보이는 사제 둘은 약간은 못마땅한 표정으로 일부러 두 사람을 외면하지만 은근히 걸인과 사제에게 관심을 가지고 있다.짙은 검은 색 사제복은 이 그림의 구조상 매우 중요한 역할을 하는데 축복을 해 주는 사제의 뒤로 보이는 배경과 그 곳에 있는 사람은 거리가 매우 멀거나 아니면 시간적으로 다른 시간대에 있음을 강조하기 위한 하나의 장치로 볼 수 있다. 이를테면 현재의 상황은 사제의 옷처럼 매우 검고 어둡지만 그 뒤편으로 보이는 장면에서 상황이 반전될 것임을 암시하고 있다.뒤편의 그림에 묘사된 사람들이 워낙 작고 희미해서 잘 보이지는 않으나 자세히 보면 거기에는 놀라운 장면이 있다. 목발을 짚은 걸인이 벌떡 일어

우리가 알고 있는 최후의 심판은 이탈리아 르네상스의 주인공 미켈란젤로가 그린 시스티나 성당의 제단 위 벽화가 먼저 떠오른다. 하지만 수많은 중세와 근세의 화가들이 최후의 심판을 그들 그림의 주제로 삼아 그들의 양식대로 표현했다. 위대한 Flemish Painting의 대가 Peter Paul Rubens 역시 최후의 심판을 그렸는데 미켈란젤로 이후 약 100년쯤 뒤였다. 그가 그린 최후의 심판은 벽에 그린 그림이 아니라 나무판(Oak)위에 그린 것으로서 우리의 병풍처럼 3면으로 접히는 가운데 부분에 그려진 그림이다.마태복음 24장 30~32절, 35장 31~46절의 내용을 기반으로 한 이 그림은 최상층의 심판자와 최하층 지옥의 악마 모습까지 수직적 구도를 중심으로 많은 인물들이 묘사되어

독일 남서부 Pirmasens에서 1802년에 태어난 Johann Heinrich Bürkel은 친구였던 Carl Spitzweg와 함께 풍속화의 한 부류로 분화된 비더마이어풍의 대표적 화가이다. 그는 알프스 지방 사람들의 생활과 풍경을 주로 그렸는데 그의 붓 터치는 놀랍게도 Vincent van Gogh의 붓 터치와 유사한 느낌을 준다. 물론 Gogh는 Bürkel보다 50년이나 뒤에 태어나 활동하지만 자연을 묘사하는 19세기 서양인들의 표현에서 시간과 공간을 넘어 미세한 유사성이 느껴진다.Bürkel은 화가가 되기 위해 20세에 뮌헨으로 가지만 당시의 뮌헨아카데미는 Bürkel을 쉽게 받아 주지 않았고 이런 이유로 Bürkel은 독자적으로 뮌헨 쿤스트베라인(미술협회와 같은 조직)을 설립하고

주석으로 만든 주전자(jug, 독일어로는 Kanne)에 비치는 빛의 부드러운 반사, 뒤편으로 이어지는 짙은 그림자, 그리고 주전자 주위를 둘러 싼 공기의 느낌은 시간과 공간에 대한 이 시기 작가들의 공통적 해석에 의한 회화적 표현이다. 이 그림 전체에 산란되는 빛은 렘브란트의 회화사적 공헌으로서 그림에 있어 ‘빛의 인용’이다.렘브란트와 동시대를 호흡했던 이 그림의 작가가 그의 그림에서 이 영향을 무시할 수는 없었을 것이다.페테르 클라스(Pieter Claesz 1597 ~ 1660) 독일에서 태어났다. 1620년 네덜란드로 이주하여 그곳에서 일생 동안 작품 활동을 했다. 이 시기에 네덜란드에서는 정물화가 유행을 했는데 그 중에서도 테이블 위에 차려진 음식을 그린 그림들이 인기를 끌고 있었다. 이러한

생명 없는 것들이나 이미 죽어버린 것들을 그리기 시작한 것은 아마도 고대시절부터 있어왔을 터이지만 서양 회화에서 본격적으로 이런 사물들을 그리기 시작한 것은 16세기부터 시작한다.야코프 데 바르바리(바르히)(Jacopo de Barbari)가 화면의 하단에 메모형식을 빌어 표기해 놓은 이 그림 「철장갑과 자고새가 있는 정물」을 그린 시기는 1504년으로 되어 있다. 아마도 정물화로서는 거의 초기의 작품에 해당하는 것이다. 바르바리는 이탈리아 출신의 화가로서 태어나기는 이탈리아 베니스였지만 죽기는 네덜란드에서 사망하였다. 그의 이런 행적으로 보아 그는 이탈리아 북부, 즉 독일, 네덜란드, 벨기에에 이탈리아 회화의 전파자일 것으로 추정해 볼 수 있다.정물화는 꽃이나, 책, 물고기나, 과일

교외의 허름한 유곽에서 세 쌍의 남녀와 한명의 노파가 모여 거나하게 술판을 벌이고 있다. 화면에 대각선으로 누워있는 남자의 옷이 등불에 푸르게 비치고 있다.그 남자의 종아리에는 매듭이 묶여져 있는데 17세기 네덜란드의 황금시대 군인들 복장이 이와 비슷하다. 그러고 보니 나머지 남자들의 모자들도 예사롭지 않다. 근위병들이 쓰는 깃털모자에 가깝다. 아마도 근무를 마친 군인들이 근처 술집에서 아가씨들과 술을 마시는 모습일지도 모른다.헤리트 반 혼트호르스트(Gerrit van Honthorst)는 네덜란드의 화가로 유트레히트 화파의 대표적 화가이다. 유트레히트 화파란 17세기 초, 네덜란드 유트레히트를 중심으로 활약한 일군의 화가들을 말한다.그들의 공통점은 지역에만 국한되는 것이 아니라 신교의 나라 네덜